"Mourir peut attendre" de Cary Joji Fukunaga
L'histoire : James Bond n'est plus en service et profite d'une vie tranquille en Jamaïque. Mais son répit est de courte durée car l'agent de la CIA Felix Leiter fait son retour pour lui demander son aide. Sa mission, qui est de secourir un scientifique kidnappé, va se révéler plus traître que prévu, et mener 007 sur la piste d'un méchant possédant une nouvelle technologie particulièrement dangereuse.
La critique de Mr K : 4/6. Un James Bond a toujours une saveur particulière à mes yeux, même si finalement on n’est jamais dans le film d’auteur. Cette saga de série B d’action a son charme et c’est toujours plaisant d’aller au cinéma voir la dernière version en cours. Mourir peut attendre est le dernier film de la franchise avec Daniel Craig dans le rôle titre, je le regrette déjà tant je l’ai trouvé impeccable dans le rôle, juste derrière Sean Connery qui reste mon préféré. Je suis partagé sur ce métrage qui alterne bon et moins bon, des choix scénaristiques m’ont aussi déplu et finalement l’icône m’a paru écornée. Tentative d’explication avec comme d’habitude zéro spoilers.
Le scénario comme d’habitude a l’épaisseur d’un papier à cigarette : James coule des jours heureux en retraite avec sa belle. Fini le tombeur, il est Amoureux ! Oui oui, vous avez bien lu, Léa Seydoux a réussi là où nombre de femmes ont échoué. Mais voila, quand on est espion, on n’est jamais vraiment à la retraite, le revoilà poursuivi par Spectre et il doit se séparer de sa douce, persuadée qu’elle l’a trahi. Des années plus tard, une nouvelle menace surgit (un virus très très retors a été volé par un fou furieux) et James s‘impose à nouveau comme l’homme de la situation (bien malgré ses ex supérieurs).
Ce James Bond en désarçonnera plus d’un à commencer par moi. James se fait ici beaucoup plus fragile car pour la première fois il a vraiment quelque chose à perdre et des projets d’avenir. Les scénaristes prennent clairement des risques et deux écoles s’affrontent: ceux qui apprécient que l’on malmène l’icône blanche, macho et sans faille et ceux qui auraient préféré que l’on reste sur les fondamentaux. Je suis un peu le cul entre deux chaises car je trouve que les idées étaient là mais que la réalisation et le jeu d’acteur n’arrivent pas à faire vraiment décoller le sujet. Et puis, j’ai un petit côté vieux jeu qui regrette la direction prise par le personnage. Le pire à mon avis est à venir, j’ai déjà quelques idées sur la personne qui reprendrait le rôle, les puristes seront je pense choqués. À moins que mon pronostic soit totalement à côté de la plaque. Pour éviter le moindre spoiler, je n’en dirai pas plus.
Mais revenons au film et tout d’abord à Daniel Craig qui signe avec ce métrage sa dernière apparition en tant que 007. Pour moi, c’est le meilleur acteur de la franchise après l’inatteignable Sean Connery. Bestial, regard de tueur et à la fois rassurant et ici touchant, j’ai adoré sa prestation, il porte littéralement le film. Le personnage a un sacré coup dans l’aile et il lui donne une finesse et une nuance bienvenue dans un film très paresseux à ce niveau là par ailleurs. La grosse déception vient du méchant que j’ai trouvé caricatural, pas assez exploité. Les raisons de sa vendetta sont simplistes et j’auraiS aimé que Rami Malek puisse totalement exprimer son talent. On le voit presque pas, sa fin est rapide et sans artifice, bref grosse déception. Même chose pour le personnage de l’agent qui a remplacé James, une black qui se la joue badass et que j’ai trouvé tout bonnement insupportable. Par contre Lea Seydoux (que je n’apprécie guère) tire pleinement son épingle du jeu et renvoie bien la balle à Daniel Craig. Niveau dialogue, c’est reposant, on est dans du niveau gamin de 12 ans, ce qui parfois crée un côté comique bien involontaire...
Niveau action, on est bien servi avec quelques séances d’anthologie et un suspens qui prend parfois aux tripes. La photo est magnifique, on traverse des paysages dantesques et des villes sublimes. Clairement, le contrat est rempli de ce côté là. Gros souci je trouve au niveau de la violence bien soft représentée à l’écran, des scènes qui auraient du être insoutenables par ce qu’elles sous-entendent passent clairement comme secondaires par un défaut de taille : pas une seule goutte de sang durant tout le métrage ! Ce qui au départ m’a amusé m’a paru au final ridicule, aseptisé et enlève le côté hardboiled de l’histoire qui verse pourtant dans le noir profond. Du coup, on ressort du film avec l’impression d’avoir vu un spectacle certes bien rodé et bien maîtrisé mais sans âme. Quand on connaît la fin du film, on se dit que James aurait mérité mieux.
Petite déception donc que ce Mourir peut attendre mais j’ai passé tout de même un moment sympathique qui perdra beaucoup lors de son passage sur petit écran. Les amateurs de 007 y trouveront donc quand même pour leur goût même si le destin réservé à 007 pourra en fâcher plus d’un.
"Dune" de Denis Villeneuve
L’histoire : La planète la plus importante de l'univers, Arrakis, est également appelée Dune. Une gigantesque lutte pour le pouvoir commence autour de celle-ci, aboutissant à une guerre interstellaire.
La critique de Mr K : 6/6. Sacrée claque cinématographique pour mon retour en salle obscure après quasi deux ans de disette covidesque ! Je l’attendais avec impatience ce film. Je suis fan de Denis Villeneuve qui ne m’a jamais déçu sur ses films, la SF fait partie de mes genres préférés et Dune est un monument dans la culture de genre. Je tiens à préciser que je n’ai jamais lu l’ouvrage en question. J’ai bien tenté l’aventure dans ma folle jeunesse (comprendre lors de mes études) mais le style m’avait rebuté et je ne suis jamais allé au-delà de cinquante pages. Par contre, j’ai vu et revu l’adaptation de Lynch qui bien qu’imparfaite pour beaucoup, m’a plu pour son côté kitsch, perché et la présence magique de Kyle MacLachlan un de mes acteurs chouchou. Aaaaah Twin Peaks ! Bref, je suis allé au cinoche l’esprit ouvert et l’envie d’être bluffé. Je n’ai pas été déçu.
Nous voila partis samedi dernier l’ami Franck et moi vers la lointaine Arrakis, planète de sable dont le fameux épice nourrit les rêves de puissance les plus fous. Elle cristallise les tensions entre deux puissantes familles rivales les Harkonen (pas sympas) et les Atréïdes (plutôt cool même s’ils prennent chers au départ). Derrière ces deux clans, on devine un empereur omnipotent qui joue sur plusieurs tableaux et une mystérieuse caste de sibylles aux pouvoirs étranges. Le spectateur est invité à suivre le destin tourmenté du jeune Paul, héritier des Atréïdes qui tient de par sa mère un étrange pouvoir et va être amené à trouver son propre chemin dans le chaos qui va bientôt s’installer. Rêves prémonitoires, récit initiatique, aventure avec un grand A, rapports de force à la Game of thrones et géopolitique intersidérale sont au menu de ce premier film d’un diptyque qui s’annonce aussi puissant qu’intelligent.
Ne nous y trompons pas, il s’agit bel et bien d’un blockbuster mais avec un Denis Villeneuve à la manœuvre, il ne pouvait être qu’une œuvre à la fois sublime et profonde, qui ne prend jamais ses spectateurs pour des imbéciles et leur propose une histoire certes classique mais universelle et porteuse de sens. On retrouve ici un jeune premier qui doit tout se prouver. Dans l’ombre d’un père respecté et sage, une mère aimante qui se mue en précepteur mystique, des maîtres d’armes durs mais loyaux, il doit trouver sa vraie place. Ses rêves lui donnent des indications, parfois vraies parfois fantasmées. Le récit initiatique est mené de main de maître avec un acteur principal que je ne connaissais pas jusque là et qui reprend le rôle sans avoir à rougir de la comparaison avec Kyle MacLachlan.
J’ai lu ici ou là que certaines personnes trouvaient le récit confus, les personnages et mondes trop nombreux. M’est avis qu’il se sont trompés de film, j’ai trouvé l’ensemble fluide, bien ficelé, j’aurais même rajouté davantage de scènes explicatives avec les Harkonen tant leur déviance est aussi déviante que fascinante. On passe de planète en planète, de palais en palais avec délectation, la plongée est saisissante, les rouages en place d’une clarté et d’un réalisme criant. Je faisais référence plus haut à l’œuvre de G. R. R. Martin mais on peut aussi penser à ces luttes entre seigneurs du moyen-âge lorsque l’on se disputait les faveurs du suzerain ou que l’on lorgnait sur les territoires du voisin. Ce space opéra élève le genre au grand art et loin de tomber dans les facilités de la dernière trilogie Star Wars (au hasard…), les jeux de pouvoir sont ici nuancés et fins (sans doute moins que dans l’ouvrage d’origine j’imagine). Le scénario est béton et l’on attend la suite avec impatience.
Les acteurs sont impeccables mêlant valeurs sûres, Oscar Isaac, Javier Bardém, Josh Brolin, Stellan Skarsgard ou encore Charlotte Rampling et révélations qui m’ont bluffées comme Rebecca Ferguson ou Timothée Chalamet. Ça joue bien, l’émotion transparaît des rôle et l’on y croit avec des rapports touchants notamment entre les différents Atréïdes. Bien qu’œuvre gigantesque à grand spectacle, le film touche par sa narration pleine de finesse des ressorts de l’intimité et nourrit la machine à empathie. Franchement, j’ai eu l’œil humide à plusieurs occasions. L’immersion est totale à travers des paysages spectaculaires, un background visuel stupéfiant, des scènes d’action prenantes et jamais tapageuses et des créatures mythiques impressionnantes. Aaaah ces vers des sables géants ! Ou encore, ces mignonnes petites souris des sables... Et puis, il y a la musique tout bonnement fantastique de Hans Zimmer, à la fois englobante et parfois à peine perceptive qui achève de transformer ce simple film en véritable expérience sensorielle, une ode au dépaysement provoquant l’addiction instantanément.
À mes yeux, ce film rentre directement dans mon top 10 d’œuvre SF. Il est absolument à voir au cinéma tant il procure un plaisir de visionnage incroyable et vous transportera loin, très loin de chez nous même si à plusieurs occasions les thématiques et ressorts en jeu vous feront penser fortement aux propres vicissitudes de notre monde. Gros gros coup de cœur !
"1917" de Sam Mendes
L'histoire : Pris dans la tourmente de la Première Guerre Mondiale, Schofield et Blake, deux jeunes soldats britanniques, se voient assigner une mission à proprement parler impossible. Porteurs d’un message qui pourrait empêcher une attaque dévastatrice et la mort de centaines de soldats, dont le frère de Blake, ils se lancent dans une véritable course contre la montre, derrière les lignes ennemies.
La critique Nelfesque : Chronique tardive de ce 1917 pour cause d'accouchement. Et pour cause, voici le dernier film que j'ai vu au cinéma. Le mardi j'étais devant le dernier Sam Mendes, le dimanche j'étais à la maternité !
Je ne pourrai pas vous dire de vous ruer en salle pour voir cet excellent film pour deux raisons. La première parce qu'il est sorti le 15 janvier (ah ben "chronique tardive", je vous avais prévenu !) et la seconde parce que, dans cette étrange période, nous sommes tous confinés chez nous et les cinémas sont fermés... Et pourtant c'est vraiment un film à voir sur grand écran ! J'espère que vous avez eu l'occasion de le voir en salle avant le black-out, sinon rattrapez-vous sur petit écran. C'est vivement conseillé !
Je ne suis pas particulièrement amatrice de films de guerre, d'autant plus que vu d'un seul prisme, ils peuvent parfois être teintés d'auto-glorification selon la nationalité du réalisateur. Ici on rentre dans le vif du sujet très vite, la caméra s'accroche à un personnage, ne le quitte plus et c'est son destin à lui qui nous intéresse à l'instant T. Va-t-il pouvoir délivrer le fameux message ? Va-t-il seulement survivre ? On connait la boucherie que fut la guerre de 14 et rien n'est moins sûr...
La réalisation est superbe (Sam Mendes en même temps, c'est pas n'importe qui (Les Noces rebelles, American beauty...)) et c'est avant tout ce que je retiendrai du film. C'est son point fort ! Tourné comme un unique plan séquence, le rendu est bluffant et permet vraiment au spectateur d'être immergé comme jamais dans l'histoire. On pourrait penser que ce procédé ralentirait le rythme, perdrait le spectateur, puisqu'on est sur du "temps réel" mais il n'en est rien. Bien au contraire, cela crée une intensité incroyable et fait mouche. Pour ce qui est des acteurs, rien à redire. On est dans la sobriété, ils n'en font pas des caisses et c'est agréable. Ces derniers sont très bien dirigés et je n'ose imaginer le nombre d'heures de répétition avant de pouvoir tourner une scène avec le plan séquence. Un vrai travail d'orfèvre, une chorégraphie millimétrée.
"1917" est un film pour les amateurs d'Histoire, pour les amoureux de cinéma et tout ceux qui veulent vivre la guerre de 14 au plus près avec justesse et sans emphase de quelque nature que ce soit. Un film à voir, revoir et étudier !
La critique de Mr K: 6/6. Je peux vous dire que je l’attendais au tournant celui-la. J’adore Sam Mendes depuis mon visionnage d’American beauty qui fut un véritable électrochoc. Et c’est sur IG en décembre que je découvrai son projet, et la bande annonce qui va avec, de s’attaquer à la Première Guerre Mondiale, un thème et une période de l’Histoire qui me tient particulièrement à cœur, que j’enseigne chaque année à mes 3ème Prépa-Métier et que je redécouvre régulièrement à travers des lectures aussi diverses que variées. Autant dire que j’en attendais beaucoup !
L’histoire en elle-même est plutôt basique. Deux jeunes soldats sont chargés par leur hiérarchie de traverser les lignes ennemies pour délivrer un contre-ordre d’attaque qui pourrait bien sauver la vie à 1600 soldats promis à une mort certaine. Quinze minutes après le démarrage du film, les voila partis ! Durant deux heures, nous allons suivre cette mission quasi suicide qui réserve son lot de surprises, d’horreur et d’introspection, le tout filmé comme un seul plan séquence !
Techniquement, ce film est une véritable prouesse doublée d’un objet artistique d’une rare beauté. On suit toute l’action à hauteur d’homme, la caméra ne s’arrêtant jamais d’accompagner les deux acteurs principaux. C’est bluffant et immerge totalement le spectateur dans le récit. On sait bien pourtant que ce gigantesque plan séquence est un leurre, qu’il y a des astuces cachées mais on imagine sans peine le travail de direction d’acteur de dingue mis en œuvre. Ces derniers sont de parfaits inconnus pour moi (du moins pour les rôles principaux) et sont littéralement habités par leur personnage. L’émotion est palpable dans le moindre geste ou regard contribuant à une empathie de tous les instants. Les personnages (y compris des seconds rôles croustillants) sont très charismatiques, on partage leurs peines, leurs espoirs mais aussi leurs déchirures profondes. On est emporté par ces destins chamboulés par un conflit qui les dépasse.
La reconstitution historique est fabuleuse, les décors sont grandioses avec des visions très réalistes qui font froid dans le dos : l’entrée dans les tranchées, le terrible no man’s land, la campagne désertée, l’attaque de la première vague, les villages détruits... autant de scènes marquantes et stylisées à l’extrême, magnifiées par la technique du plan séquence et une photo impeccable. La vérité historique est totalement respectée aussi dans les scènes du quotidien épouvantable des poilus avec la faim, le froid, les maladies, la boue, la peur qui noue les entrailles... mais aussi la connerie humaine avec son lot de gradés imbéciles, de fanatisme guerrier (la scène avec l’avion) ou encore d’aveuglement patriotique. On s’y croirait vraiment, cela glace le sang, étourdit même et l’on sort quelque peu groggy de la séance. Petit bémol (le seul d’ailleurs), la musique qui parfois en fait des caisses notamment lors des scènes à suspens dont la BO lorgne vers les James Bond et qui interroge le spectateur sur tel ou tel choix mélodique ou sonore. Rien de grave pour autant, le reste frôle la perfection.
Je n’en dirai pas plus pour ne pas gâcher la surprise, ce film est vraiment à voir. Je ne suis pas pourtant un amateur de film de guerre mais celui-ci se démarque nettement car en plus d’évoquer remarquablement la Grande guerre, il nous souffle à l’oreille une humanité de tous les instants et provoque des émotions aussi diverses que fortes. Une belle claque que je vous invite à prendre au plus vite !
"Les Misérables" de Ladj Ly
L'histoire : Stéphane, tout juste arrivé de Cherbourg, intègre la Brigade Anti-Criminalité de Montfermeil, dans le 93. Il va faire la rencontre de ses nouveaux coéquipiers, Chris et Gwada, deux "Bacqueux" d’expérience. Il découvre rapidement les tensions entre les différents groupes du quartier. Alors qu’ils se trouvent débordés lors d’une interpellation, un drone filme leurs moindres faits et gestes...
La critique Nelfesque : On a mis du temps avant de se déplacer en salle pour aller voir "Les Misérables" de Ladj Ly. Pour des raisons personnelles et d'emplois du temps essentiellement parce que l'envie de le voir était énorme depuis sa présence à Cannes. Ceux qui me connaissent savent que j'aime beaucoup ce festival que je suis chaque année de façon assidue par leurs différents canaux de communication et leur chaîne dédiée qui permet de voir, outre les montées des marches, les interviews, les conférences de presse... Bref j'épluche ça très attentivement et ce film ci a retenu mon attention très tôt.
C'est donc il y a 10 jours que nous avons fait connaissance intimement avec "Les Misérables". Oui, je dis intimement parce que c'est un film profond, qui ne se contente pas de voir les choses en surface et qui ne fait pas de prosélytisme. Ici il n'y a pas de "camp" mis en valeur plus qu'un autre, pas de parti pris pour les uns ou les autres, juste un constat et une retranscription d'une rare sincérité de ce qu'est la vie en banlieue que l'on soit flic, gérant de kébab, ados, enfants, mère de famille...
C'est avant tout cette façon de voir les choses et les gens, sans oeillères et en toute transparence qui m'a plu dans ce long métrage. Ladj Ly a vécu (et vit encore) en banlieue et ça se sent. Il a expérimenté les injustices, a été témoin de beaucoup de choses révoltantes, pour autant il a su garder un regard plein d'empathie et de compréhension pour tous ceux qui font la vie en cité.
On sent très vite une certaine tension en visionnant ce film. De l'appréhension mais aussi un je ne sais quoi d'inéluctable. Des jeunes, qui font certes des conneries, mais qui ne sont que des conneries de mômes, se retrouvent face à des violences émanant de tous les côtés. La violence de la société dans laquelle nous vivons, la violence du regard posé sur eux, la violence des flics, la violence des adultes souhaitant les accompagner "religieusement". Des flics qui font leur travail du mieux qu'ils le peuvent avec les moyens qu'on leur donne. La vision de Stéphane, fraîchement arrivé dans le service, permet vraiment de mettre le doigt sur des attitudes complètement aberrantes et qui sont pourtant entrées dans les moeurs au sein des quartiers. De la violence dans les yeux de tout le monde qui très vite va amener à une situation inextricable. Une boule de haine qui va gonfler au fil de son chemin et devenir une véritable bombe faisant froid dans le dos à la fin du long métrage. Un constat d'échec pour tout le monde qui fait mal au ventre...
J'ai adoré ce film. Je m'en doutais avant de le voir. J'en ai eu la confirmation. Macron l'a visionné et a eu une réaction hallucinante, disant être bouleversé et demandant à son gouvernement d'agir. Le même qui a mis un terme aux "plans banlieues" qui concernaient l'habitat, l'emploi, les moyens affectés à la police, l'échec scolaire... Le dernier en 2018 a reçu une belle fin de non recevoir de la part de notre cher président si bouleversé ici. Une belle récupération politique, une jolie posture, du cynisme pour ne pas dire autre chose...
"Les Misérables" ne peut indéniablement pas laisser de marbre. C'est un film émouvant pour tout ce qu'il montre, pour les personnages qu'il nous donne à voir et auxquels on s'attache, qui nous laisse désarmé face à un constat sans appel mais qu'il faut voir pour se confronter à la réalité. Pas des plus joyeux, on finit sur les rotules avec un air hagard quand la lumière se rallume mais bon dieu que le cinéma social est nécessaire !
La critique de Mr K : 6/6, quelle claque que ce film mes amis ! On a beau s’y préparer vu la réputation plus que flatteuse du métrage et son succès mérité au box office, on sort tout tremblant et émotionné d’une telle session cinéma. Grand Prix du jury au Festival de Cannes l’année dernière, c’est le genre de film qui marque et fait réfléchir à la fois. Il paraîtrait même que Micron Ier aurait été touché par l’œuvre... Mouaiiis, j’y crois à mort à la vue de l’actualité politique et l’angle répressif de sa politique...
Dans ce film, il est question des cités et plus particulièrement d’un quartier de Montfermeil où un jeune garçon va filmer avec son drone une bavure policière. S’ensuit un début d’embrasement qui va mettre dos à dos les responsabilités de chacun face à un drame terrible : des policiers réactionnaires qui essaient de se couvrir, des frères musulmans qui attisent la haine et les grands frères qui tiennent la boutique en se moquant impunément de la loi mais aussi des plus jeunes du quartier. Au fil du déroulé, la tension monte crescendo et va mener à un dernier acte suffoquant qui va remettre les compteurs à zéro face à une menace que personne n’a vraiment voulu voir. Glaçant !
Le réalisateur alterne les points de vue et propose des personnages tout en nuances. Chacun ici a sa part d’ombre et de lumière, pas de manichéisme donc mais un miroir très fidèle de l’humanité qui hante ses lieux. Ainsi, même la pire ordure cache quelque chose de positif qui, même s’il n’excuse en rien les pratiques et propos douteux, éclaire sa personnalité. Le capitaine de la BAC par exemple, qu’on déteste dès le départ s’avère être un bon père de famille, un tenant de l’ordre islamiste dégage un charisme impressionnant et une réelle préoccupation pour son prochain (s’il est de son bord), le maire du quartier tient son quartier d’une main de fer mais reste à l’écoute de chacun... Pour autant, on n’est pas rassuré, la République a décidément fui ces quartiers sensibles où la misère est partout. D’ailleurs, tous les protagonistes de cette histoire sont misérables à leur manière et la sentence hugolienne présente en tout de fin de métrage est là pour le rappeler.
Filmé à la manière d’un documentaire avec un sens de la mise en scène inouï, on plonge littéralement dans le quotidien des gens pendant une journée. La tension est palpable dans la plupart des plans, les acteurs jouent juste (ce n’est pas vraiment des rôles de composition pour le coup) et l’ensemble est d’une crédibilité sans faille. Ayant vécu dans le 93 durant cinq ans, ayant côtoyé dans le cadre de mon métier des jeunes du même type, j’ai trouvé ce film très fidèle à la réalité. Le langage et certains codes ont changé bien évidemment mais on retrouve l’énergie, la fougue et la colère qui animent nombre de ces jeunes déshérités qui subissent vexations et apartheid au quotidien. C’est la débrouille et le crime organisé qui rythme la vie de certains, donnant lieu ici à des passages d’une grande mélancolie à commencer par le petit jeune qui sera victime plus tard de la bavure et qui vit d’expédients.
Un triste monde tragique nous est donc donné à voir avec ces enfants livrés à eux-mêmes dès leur plus jeune âge, les fondamentalistes qui remplacent les flics dans le rôle de briseurs de trafic, ces communautés qui s’opposent alors qu’ils auraient bien plus à gagner en s’entraidant ou encore ces membres de la BAC qui se sentent tout puissants. La colère monte inexorablement chez le spectateur qui en prend plein la face et ne peut se raccrocher à aucun personnage ou parti tant le vice est caché partout (sauf peut-être pour le nouveau poulet qui débarque dans la brigade). On ressort vraiment ébranlé de ce film vraiment à part et qui je l’espère marquera tous les esprits et obligera nos responsables à penser la banlieue comme autre chose qu’une zone de non droit et bel et bien comme un vivier de talents et de solidarité. On peut toujours rêver...
"Star Wars IX : L’Ascension de Skywalker" de J.J. Abrams
L'histoire : La conclusion de la saga Skywalker. De nouvelles légendes vont naître dans cette bataille épique pour la liberté.
La critique Nelfesque : Bon, ben, tu feras avec le synopsis ci dessus fournit par Allociné hein ? Dans tous les cas si t'es fan de la saga, tu payes ta place, tu te poses pas (trop) de questions et tu termines cette trilogie au cinéma. Après, c'est pas dit que tu ailles voir les prochains mais ça c'est une autre histoire.
C'est donc mardi dernier que nous sommes allés voir "L'Ascension de Skywalker" au cinoche. Oui, on a mis le temps... Déjà pour éviter les cohortes d'impatients qui se massent dans les salles au moment de la sortie d'un Star Wars, allant jusqu'à réserver leurs places des semaines à l'avance (ce qui pour moi est une ineptie mais soit), aussi parce qu'on avait prévu de le voir plus coolos avec des copains début janvier et puis finalement qu'on a vu tous les 2 parce qu'avec mon ventre qui pousse j'évite de m'éloigner trop de ma maternité (mais ça aussi c'est une autre histoire).
Star Wars, soit vous aimez la saga et vous avez déjà vu ce film depuis sa sortie, soit vous vous en fichez éperdument. Du coup dans les deux cas, ça m'évite de vous résumer l'histoire et je vais tout de suite me concentrer sur mon avis sans faire la rabat-joie ("gnagnagna c'est plus ce que c'était Star Wars depuis qu'il y a Disney aux manettes") et sans faire la spécialiste ("oui alors là c'est vraiment n'importe quoi cette résurrection hein !") parce qu'il y aurait des choses à dire mais je ne suis pas assez râleuse ou pointue sur le sujet pour disserter là-dessus. Je laisse Mr K le faire sans doute juste après moi. Dans le genre fan de la franchise et râleur il se pose là (hum...) !
Et bien perso j'ai passé un très bon moment. Le film dure 2h22 et c'était déjà la fin que je ne m'en étais même pas rendue compte. Il n'y a pas de temps mort, c'est rythmé, les persos sont sympa avec des petites touches d'humour bienvenues parfois, des courses poursuites bien foutues, ce qu'il faut d'anciens persos qui ressurgissent pour un dernier coucou et, gage de qualité, il y a même des chevauchées de chevalmouth sans déconner (comprenne qui pourra !) !
Scénaristiquement ça casse pas des briques mais on passe un bon moment et la relation Rey / Kylo Ren n'est pas sacrifiée sur l'autel Disney (alors rien que pour ça je dis MERCI !). Ce sont d'ailleurs les scènes mettant en jeu ces deux personnages ensemble qui sont les plus intéressantes. J'irais même jusqu'à dire qu'heureusement qu'ils sont là mais si je fais ça, je vais râler et j'ai dit non (hum) !
J'ai bien ri face au comique de certaines situations. Je suis pas sûre que c'était l'effet escompté mais en le prenant ainsi on se marre bien de certaines postures de personnages qui, disons le tout net, se la pètent puissance 10.000. Je n'ai pas eu de réel moment d'émotion mais je ne vais pas voir Star Wars pour ça hein, j'ai tout de même frémi pour quelques personnages historiques mais non ouf finalement ça va ils sont sauvés, c'est bon les enfants vous pouvez respirer. La seule disparition importante ici ne m'a pas attristée, c'est comme ça et c'est tout à fait logique d'un point de vue logistique... Je l'aurais déjà fait mourir à l'épisode précédent donc bon.
Voilà globalement "L'Ascension de Skylwaker", c'est pas foufou. Les révélations sont un peu tirées par les cheveux mais si on n'est pas trop regardant là dessus côté spectacle on ne boude pas notre plaisir. Finalement ça fait du bien d'aller au ciné parfois uniquement avec cet objectif en tête. Je n'en attendais ni plus ni moins.
La critique de Mr K : 4/6. Ça y est, ça en est fini de cette trilogie qui au final s’avère bien fadasse malgré des moments de brios indéniables. Cet épisode vaut les deux précédents, c’est une belle soupe qui manque de saveur. Heureusement que deux personnages principaux réhaussent le niveau car sinon c’était le naufrage assuré à mes yeux.
Le début du métrage commence très mal avec un artifice scénaristique assez ridicule et le retour d’un méchant que l’on croyait mort depuis bien longtemps. Il faut dire que les bad guys manquent de charisme dans cette trilogie, du coup on ressort l’artillerie lourd. Alors même si c’est vraiment réchauffé, on se félicite d’avoir un vrai antagoniste (non, ce n’est pas Dark Vador, rêvez pas non plus !). On retrouve donc Rey et sa fine équipe en quête de ce sith bien planqué qui prépare sa revanche en utilisant Kylo Ren toujours aussi paumé et perché. Ce dernier pourtant n’est toujours pas fixé et l’on sent des atermoiements chez lui qui pourraient le refaire basculer de l’autre côté. Le reste de l’histoire est une compilation de scènes échevelés, de passages héroïques à décoller la rétine, d'autres sur l’amitié écrits par un enfant de huit ans et de créatures gadgets qui permettront à Mickey de vendre plein de figurines et de s’enrichir encore un peu plus.
Clairement, pour éviter de m’énerver, j’ai pris ce film pour ce qu’il est : une série B bien guimauve, complètement what the fuck, bourrée d’invraisemblances mais qui remplit sa mission de spectacle démesuré. C’est beau, ça pète dans tous les sens et globalement on ne s’ennuie pas. Rien d’original, le scénario coule de source et Disney oblige, ça finit bien. Je rêve d’une victoire écrasante des Sith, métaphore d’une dictature ultralibérale répressive à la mode Macron. Ça aurait eu de la gueule mais les enfants auraient pleuré... et il ne faut jamais faire pleurer les gamins. L’élément qui franchement a douché mon enthousiasme très vite est la narration choisie, l’extrême découpage des séquences à la mode jeu vidéo ou film de mecs en slips (Marvel and co), on prend vraiment les spectateurs pour des abrutis et je trouve qu’on perd en portée. Je vous raconte pas la génération de zappeurs qu’on nous prépare...
Bref, j’étais bien parti pour lui mettre 3/6 voir 2/6 quand cet empaffé d’Abrams trouve le moyen de ressortir des Ewoks (horreur, malheur, je déteste ces bestiaux sauf en BBQ !)... Mais voila, il y a Adam Driver et son perso d’éternel adolescent perdu qui cherche la reconnaissance du père qui l’a délaissé. Que j’aime le perso de Kylo Ren qui m’a ému profondément et offre deux scènes particulièrement touchantes (le duel sur l’épave et la scène finale). J’avoue, j’ai pleuré ! Même pas honte, franchement balaise cet arc narratif et rien que d’y penser j’ai les poils. Quel jeu d'acteur, quelle intensité dans le regard ! I love this guy! Rey n’est pas mal non plus avec ce lien ésotérique qui la relie à lui, le mystère sur ses origines. Tout ici est enfin révélé et je me suis fait avoir. Bon, c’est un peu gros mais ça passe et explique bien ce qui a précédé. La vraie force de cette trilogie réside vraiment dans la relation unique qui relie ces deux personnages. Là dessus, on est vainqueur et ce film mérite bien la note que je lui attribue.
Né l’année de sortie du tout premier Star Wars, je suis tombé dedans tout petit et même si je ne peux que me plaindre de la direction mercantile de la franchise, on passe un bon moment et au cinéma l’effet sur le spectateur est assez bluffant. C’est en tout cas le dernier que j’irai voir au cinéma, les studios ayant décidé de partir vers d’autres horizons et d’autres domaines de l’univers crée par Lucas. Personnellement, je vais me rabattre sur des comics forts séduisants et surtout continuer à regarder les séries animées qui sont loin d‘être ridicules. Que la Force soit avec vous !
"Joker" de Todd Phillips
L'histoire : Le film, qui relate une histoire originale inédite sur grand écran, se focalise sur la figure emblématique de l’ennemi juré de Batman. Il brosse le portrait d’Arthur Fleck, un homme sans concession méprisé par la société.
La critique Nelfesque : J'avais très envie de voir Joker. Pourquoi ? Alors que je n'aime pas les super héros et que Batman m'indiffère passablement... Pour Joaquin Phoenix ? Pas faux, il est vrai que certaines de ses prestations, notamment dans l'excellent Her, m'avaient bluffée. Pour la Mostra de Venise ? Non, puisque j'avais prévu de le voir avant que l'acteur décroche le Lion d'or. J'ai eu fortement envie de voir Joker, tout simplement en voyant la bande annonce qui m'a scotchée à mon siège lorsqu'elle est sortie. Mr K n'était pas trop chaud pour aller le voir au départ et petit à petit j'ai réussi à le convaincre. Comme j'ai bien fait !
On suit le quotidien d'Arthur Fleck, un gars lambda avec des problèmes d'argent qui vit avec sa mère handicapée. Il s'occupe d'elle, la chérit et vit de petites missions de clown auprès d'enfants à l'hôpital et en tant qu'homme sandwich dans les rues de Gotham City. Lui-même présente un handicap, il rit nerveusement dans certaines situations, et on ne peut pas dire qu'il soit respecté par les gens qui l'entourent. De ses collègues de travail à son patron, en passant par les gens qu'il croise, il n'inspire que moqueries et méfiance. Car oui, Arthur Fleck est étrange et incompris.
Sous traitement médicamenteux, qu'il se procure auprès de son assistante sociale dans un centre d'aide social, il est sans cesse sur un fil et peut à tout moment tomber. Cette tension est extrêmement bien rendue dans le film et nous tient à la gorge du début à la fin. Un faux pas et il tombe. Un licenciement, un passage à tabac, un mépris de plus et il bascule.
Dans un contexte social lui aussi à deux doigts de sombrer, le terreau est propice ici à un pétage de plombs en règle. Arthur veut aller de l'avant, a des rêves plein la tête, tente des choses, s'efforce de sourire en toutes circonstances comme sa mère lui a enseigné, mais arrive un moment où tout est trop dur et seul face à son mal, il va basculer et franchir la frontière qu'il tentait jusque là de garder à distance.
Joker est à mes yeux beaucoup plus un film social qu'un long métrage en lien avec les super-héros. Vous n'avez pas vu Batman ? Vous vous fichez de tout ça et ce type d'univers ne vous parle pas ? Ici, on en est bien loin. On suit juste un homme qui arrive en bout de course et va complètement craquer face à une enfance traumatisante, une vie personnelle frustrante et un quotidien fait d'épreuves. Quand tout dans l'existence d'un homme semble lui mettre des bâtons dans les roues, quand le contexte économique et social est au diapason et que la gouvernance ne semble pas écouter le peuple, on en arrive à des situations extrêmes qui soulèvent les foules. Cela ne vous rappelle rien ?
Avec un film viscéralement prenant, qui tire la larme plus d'une fois, Todd Phillips surprend en proposant un long métrage diaboliquement actuel qui parle d'une époque, d'une génération, de la désespérance et du mal de vivre. L'acteur principal, par sa tension permanente et sa sensibilité à fleur de peau, porte le film qui ne serait pas celui qu'il est sans lui. Magnifique !
La critique de Mr K : 5/6 : un sacré bon film qui ne passe pas loin de la case chef d’œuvre. Un acteur en état de grâce, un discours politique qui me parle, un ascenseur émotionnel d’une grande intensité font de ce film un métrage dont on se souvient longtemps après le visionnage même si pour ma part je trouve que la réalisation n’est pas exempte de défauts et empêche à mes yeux le film de côtoyer des œuvres cultes.
Joaquin Phoenix est tout bonnement fabuleux dans le rôle de ce grand benêt atteint de troubles psychotiques. Arthur Fleck vit seul avec sa vieille mère dont il s‘occupe avec fidélité. Clown de métier, il fait de la publicité dans la rue en soulevant une pancarte. Étrange et différent, il inquiète ses collègues car il est souvent pris de fous rires incontrôlables et tient des propos parfois décousus. Sous perfusion chimique, rendant visite à son travailleur social toutes les semaines, il ne se voit pas exister et patauge dans la galère. Son rêve ? Devenir humoriste. Le problème comme le dit sa mère, c’est qu’il n’est pas drôle et manque de confiance en lui.
La routine n’est donc pas rose et les événements vont se précipiter à la suite d’un enchaînement de coups du sort qui vont faire basculer Arthur du côté obscur. Face à l’incurie des hommes, une société qui aliène les personnes les plus fragiles tout en les contrôlant via les médias, un homme pète les plombs et le Joker est cet homme ci. Mais que son chemin de croix est long et douloureux avant la libération anarchique qui va le mettre sur orbite !
Joaquin Phoenix porte tout le film sur ses épaules. Sa prestation est magistrale et nul doute que l’Oscar ne lui échappera pas. Littéralement possédé par son rôle, il joue à merveille et rend crédible un personnage tourmenté pour qui l’empathie fonctionne à plein. J’ai rarement vu quelqu’un jouer les psychopathes ou l’aliéné avec autant de brio. Dès les dix premières minutes, il me tirait déjà les larmes des yeux et je peux vous dire que ce n’était pas les dernières ! Il faut dire que le scénariste n’y va pas de main morte avec lui entre agressions, moqueries, complexes et une ambiance apocalyptique dans une Gotham City révoltée et au bord de l’implosion. Et si l’étincelle qui faisait tout sauter, c’était lui ?
Il y a du Fight club et du V pour Vendetta dans ce film. La critique est acerbe et pointe du doigt l’impunité des puissants, la manipulation et l’exploitation des plus faibles. La société est malade, sous perfusion et l’explosion n’est plus loin. On est bien loin des films de super héros qui ne m’ont jamais séduit à cause de leur manichéisme exacerbé et l’absence de toute originalité. Ici, le mal se tapit partout, le récit sert un message politique fort avec comme aboutissement une superbe scène finale qui met le monde actuel face à ses contradictions : une démocratie qui n’en est plus vraiment une et la folie en guise de raison. Je peux vous dire que les frissons vous gagnent lors du visionnage et que l’on ne peut s’empêcher de penser à l’autoritarisme larvé de notre gouvernement, la culpabilisation et la paupérisation des plus fragiles, l’arrogance des riches et au final une société fracturée où l’on ne sait plus vivre ensemble. C’est la grosse surprise du film, une grande major se permet de tenir un discours aussi revendicatif, ça faisait un bail qu’on n’avait pas vu ça. Bien sûr la teneur est moindre que les deux œuvres suscitées mais franchement j’adhère à 100%.
Comme dit plus haut, Joker n’est cependant pas parfait. j’ai lu ici ou là que le métrage avait des accents scorcesien. Je trouve cela exagéré avec notamment un manque d’originalité de certains effets, de certaines scènes. Sans inventivité, des scènes manquant parfois de panaches sont contrebalancées par de purs moments de bravoure... C’est aussi ça Joker, un film étrange qui met mal à la l’aise et sort des sentiers battus. Je m’attendais vraiment à moins bien moi qui ne suis pas du tout fan du réalisateur (notamment depuis le très calamiteux Very bad trip 2). À part ce défaut, tout le reste vaut le détour avec notamment une musique qui accompagne magnifiquement la mue du personnage principal. Un film à ne pas louper donc, à voir au cinéma pour bénéficier d’émotions multipliées par dix et voir un spectacle total et révolutionnaire à sa manière.
"Downton Abbey" de Michael Engler
L'histoire : Les Crawley et leur personnel intrépide se préparent à vivre l'événement le plus important de leur vie : une visite du roi et de la reine d'Angleterre. Cette venue ne tardera pas à déclencher scandales, intrigues amoureuses et manigances qui pèseront sur l'avenir même de Downton.
La critique Nelfesque : En bonne grosse fan de Downton Abbey, j'attendais ce long métrage avec la plus grande impatience. La série, je l'ai regardé deux fois. Une première fois, pour une immersion en VO dans la langue anglaise et la seconde en incitant fortement Mr K à se joindre à moi. Je n'exclue pas la voir une 3ème fois mais on va attendre un peu pour ne pas faire peur à mon entourage...
Toujours est-il que lorsqu'il a été annoncé qu'une fin sur grand écran était en tournage, je trépignais d'impatience. Puis le jour est venu de se diriger vers le cinéma et au générique, j'en ai eu des frissons. Il faut voir celui-ci comme un gros "épisode spécial", ni plus ni moins. Je ne vois pas l'intérêt d'aller voir ce film si on n'a pas suivi la série (bien que j'ai discuté avec des spectateurs pour qui c'était le cas et qui ont fortement apprécié la séance) mais pour les habitués, c'est un très chouette point d'orgue à l'ensemble.
Dans la continuité de la série donc on retrouve tout le casting habituel, que ce soit du côté des domestiques que du côté de la noblesse. Comme un dernier au-revoir, aucun à mon sens n'est là pour faire plaisir aux fans mais tous ont une utilité dans les intrigues ici proposées. Plusieurs s'imbriquent et ne dérogent pas aux règles déjà connus. Il n'y a pas de grosses surprises, c'est cousu de fils blancs mais ça ne vient pas non plus en contradiction avec des situations ou des caractères auxquels nous sommes habitués.
Venue de la famille royale à Downton, spoliation d'héritage, amour naissant, conquête de droits sociaux... sont autant de thèmes abordés dans le respect de l'ensemble de l'oeuvre. Nos chouchous restent nos chouchous, chacun a sa petite part de tendresse. Une page se tourne et les larmes pointent en fin de visionnage. Un peu pour la fin d'une histoire, beaucoup pour la fin d'un personnage que je voyais arriver mais qui m'a fendu le coeur... Ca n'est pas fait frontalement et je remercie le scénariste et réalisateur pour ça, sinon j'aurais fait une dépression (j'exagère ? à peine !), c'est subtil et bien amené mais ce n'est pas moins douloureux pour mon petit coeur de fan.
L'humour est toujours au rendez-vous, au détour d'une scène avec Violet très souvent et lors de joutes verbales entre cette dernière et Isobel. C'est un véritable régal de retomber dans l'ambiance Downton Abbey et à entendre les rires et réactions des autres spectateurs dans la salle, on réalise que ça fait mouche chez tout le monde. Nous qui sommes habitués aux séances quasi privées, ici le public est venu nombreux.
Il n'y a pas grand chose à rajouter. Si vous aimez la série, allez voir le film (je pense que vous l'avez déjà fait d'ailleurs !). Si vous êtes curieux, même si il y a pas mal de saisons, regardez la série avant d'enchaîner sur le film, vous ne le regretterez pas. Tout cela en VO bien entendu ! Si vous avez vu le film (déjà sorti il y a 1 mois, oui je suis longue pour écrire des chroniques en ce moment, je sais) et l'avez apprécié, vous avez tout intérêt à tout reprendre depuis le début. Vous n'imaginez pas toutes les surprises qui vous attendent... "Donwton Abbey" c'est terminé et tout cela est passé beaucoup trop vite !
La critique de Mr K : 6/6. Quel plaisir de retrouver les Crowley et leurs serviteurs dans ce film qui ponctue à merveille une série que m’a fait découvrir Nelfe et que j’ai tout autant adoré qu’elle ! J’ai lu ici ou là qu’on pouvait aller voir ce film sans même connaître la série. Pour le coup, je pense que ces spectateurs sont passés à côté de nombreuses références et le film ne doit être qu'une bonne évocation de la vie de château chez les rosbifs. Si par contre, comme nous, vous êtes férus de la série et totalement addicts, courez-y, le film vaut vraiment le détour, propose des trames secondaires riches et ponctue magnifiquement la série sans en rajouter ou faire d'effets de manche artificiels.
Au cœur du métrage, la venue du couple royal à Downton Abbey ! Ça c’est de la nouvelle pour les Crowley mais aussi un gros chamboulement ! À visite royale, exigences royales et dans cette demeure où chacun sait où est sa place et les règles qui lui incombent, le choc sera parfois dur à encaisser. On navigue donc entre le haut et le bas, poursuivant les protagonistes de notre curiosité et de notre intérêt. On est vraiment servi dans le domaine avec notamment un très bel arc narratif autour de Thomas Barrow (my number one in my heart, j’ai un côté midinette dès qu’on aborde son sujet !) ou encore une Violet déchaînée comme on l’aime à propos d’une captation d’héritage. On est donc en terrain connu mais quand on le cultive avec passion et talent, on ne peut que récolter de beaux fruits et je suis sorti ravi de cette séance de 2h qui m’a paru bien trop courte !
On retrouve tous les bons ingrédients de la série avec l’avantage de voir le récit sur grand écran. Ça passe bien, les acteurs assurant tous leur partition avec talent. On reprend l’action quelques années après la dernière saison et tout s’intercale parfaitement. On retrouve nos personnages sans qu’ils aient vraiment changé, c’est comme si on retrouvait notre famille après quelques mois d’absence. Il y a l’événement de la visite qui provoque des réactions, des adaptations nécessaires mais au final on poursuit le visionnage surtout pour suivre le devenir de chacun. Passions, jalousies, amour, lutte d’influence, besoin de reconnaissance, convenances et désirs personnels se mêlent pour notre plus grand plaisir. Le format court impose un rythme plus rapide, des intrigues parfois seulement survolées mais franchement, le compte y est.
Techniquement le film est irréprochable. On ne tombe pas dans le génie ou l’innovation mais le réalisateur fait le job et plutôt bien. Parcourir les jardins, couloirs et pièces de Downton Abbey sur grand écran est un plaisir de tous les instants et même si la facture classique de la réalisation manque d’ambition, on reste dans la continuité de la série. C’est avec émotion qu’on retrouve des lieux chéris, qu’on réentend le thème musical de la série et que l’on se replonge dans l’ambiance unique des lieux. Pas de regrets ou de récriminations à attendre de ma part pour le coup, le film s’apparentant à une douce sucrerie au parfum de nostalgie qu’il fait bon déguster et qui apportera son lot de surprises et de satisfaction aux amateurs de la série.
"Ad astra" de James Gray
L'histoire : L’astronaute Roy McBride s’aventure jusqu’aux confins du système solaire à la recherche de son père disparu et pour résoudre un mystère qui menace la survie de notre planète. Lors de son voyage, il sera confronté à des révélations mettant en cause la nature même de l’existence humaine, et notre place dans l’univers.
La critique Nelfesque : Passe de deux ce soir avec de nouveau Brad Pitt au premier rang, après "Once Upon a Time... in Hollywood" de Quentin Tarantino vu au cinéma le mois dernier. Avec "Ad astra", on le retrouve, dans un futur proche, dans la peau d'un astronaute. La date n'est jamais évoquée mais il est fort probable que nous nous situions ici aux alentours de 2100. Roy McBride est un caïd dans sa discipline. Reconnu et respecté pour ses précédentes missions et sa personnalité, il va se voir confier une tâche particulièrement éprouvante et dangereuse.
Des phénomènes magnétiques importants sont de plus en plus comptabilisés à la surface de la Terre et dans l'espace. Provoquant d'importants dégâts, il est urgent de les faire cesser. Pour ce faire, il n'y a pas d'autre solution qu'envoyer une expédition dans l'espace afin d'en neutraliser la cause. Celle-ci est connue puisque les signaux viennent de la base la plus reculée de la galaxie, celle pour laquelle le père de Roy a pris le départ lorsqu'il était jeune et dont il n'est jamais revenu. Déclaré mort, personne n'a jusqu'alors pris sa suite et plus aucun contact n'est aujourd'hui établi entre cette base et le commandement sur Terre.
Roy McBride va alors être appelé pour tenter l'impossible et entrer en contact avec cette base. Peut-être y retrouvera-t-il son père, peut-être ne la rejoindra-t-il jamais, toujours est-il qu'en l'état actuel, si rien n'est tenté, la Terre et l'Homme sont voués à leur perte.
Ne vous attendez pas à voir un film catastrophe en allant voir "Ad astra". Malgré l'urgence de la situation, le film est lent mais les rares scènes de suspens sont assez efficaces. En revanche, ce long métrage est beau et si vous aimez les histoires se déroulant dans l'espace, les plans risquent de vous plaire grandement. Pour ma part, je l'ai plus vu comme un objet visuel que comme un film qui laissera en moi une trace indélébile.
En effet, contre toute attente et malgré un pitch allant en ce sens, je n'ai à aucun moment été touchée. J'ai trouvé l'ensemble bien lisse et assez fade côté sentiments. Je n'ai pas accroché aux questionnements de Roy, je n'ai pas été émue par les différentes étapes le menant à cette base si lointaine. Pour le dire clairement, je me fichais un peu de savoir si il retrouverait son père, si il arriverait à endiguer la catastrophe annoncer ou même si psychologiquement il en ressortirait indemne. Je ne saurais véritablement pointer du doigt la cause de cette indifférence (peut-être le ton monocorde de Brad Pitt et sa gestion des sentiments inhérente à sa fonction) mais on est ici bien loin d'un film tel que "Interstellar" de Christopher Nolan ou encore "Premier contact" de Denis Villeneuve. Il faut dire aussi que côté réalisateur, on ne joue pas non plus dans la même cour (tout cela étant évidemment une question de goût, bien entendu).
Pour autant, je ne me suis pas ennuyée, "Ad astra" étant un film facile à regarder avec des acteurs qui jouent très bien. Il n'y a pas de parti pris fort dans le choix de la réalisation ou de la narration et on passe un moment agréable tout de même. Ce n'est malheureusement pas l'idée que je m'étais faite en allant voir ce film, ayant en tête des références bien plus marquantes. A voir donc par un après-midi pluvieux, pour passer le temps...
La critique de Mr K : 4/6. Nous sommes donc allés voir le dernier James Gray qui s’offre avec Ad Astra une incursion dans le monde de la SF intimiste avec en star principale un Brad Pitt toujours aussi magnétique. Un réalisateur que j’adore, un acteur que j’admire énormément... Tout était réuni pour une séance dantesque, finalement je n’aurais vu qu’un bon film qui ne laissera pas un souvenir impérissable.
De mystérieuses ondes magnétiques font des ravages sur Terre et elles auraient pour origine une expédition ancienne menée aux confins du système solaire par le père du héros porté disparu depuis. On charge Brad Pitt d’aller sur Mars pour essayer de contacter le paternel qui serait devenu fou. Entre un voyage éprouvant avec son lot d’impondérables, les questions existentielles qui l’assaillent dans la perspective de revoir son géniteur et le face à face tant attendu, on peut dire que Gray ne ménage pas son personnage principal.
Le film au niveau de la technique est sublime. Les images et plans sont léchés mais ce n’est pas étonnant quand on connaît l’esthète aux manettes, on a le droit à de très belles images des astres croisés par le héros, de beaux plans sur les vaisseaux empruntés et des scènes d’action bien menées même si comme je le dirai plus tard, je m’interroge encore sur leur utilité. Ce qui m’a encore plus bluffé que le visuel, c’est le score du film. La musique est vraiment à tomber par terre et accompagne merveilleusement bien cette odyssée intimiste.
Ad Astra doit aussi beaucoup à son interprète principal. Brad Pitt est impeccable comme toujours et il porte le métrage sur ses épaules. Il campe un astronaute maître de lui-même en toute situation (superbe scène d’introduction) mais qui commence à être soumis à une pression inhabituelle pour lui l’homme de glace qui contrôle tout. Il pourrait revoir un père parti depuis plusieurs décennies pour un voyage exploratoire, lui le héros d’une nation dont le travail prime sur la vie privée. Au fil du voyage qui le rapproche de son père, Brad s’interroge sur lui, sa relation avec un père absent et finalement sur le sens global de tout cela, notamment les objectifs cachés par l’agence spatiale qui lui a demandé d’essayer de retrouver son père (Tommy Lee Jones pas mal du tout).
Au détour du déroulé de la trame, certains détails et évocations marquent l’engagement du réalisateur avec une dénonciation à peine voilée de la société de consommation qui s‘installe sur les bases lunaire ou encore la reprise des hostilités entre grandes puissances pour la recherche de ressources (l’histoire se répète encore et toujours). Le film en lui-même s’apparente tout de même plus à un voyage initiatique dans l’intimité d’un homme qui réfléchit sur lui, ses liens biaisés avec sa femme (Liv Tyler toujours aussi quiche) et le sens qu’il veut donner à son existence.
Mais voila, l’équilibre n’est pas trouvé. On monte en pression en terme d’enjeux personnels pour le héros mais finalement le scénario accouche d’une souris. La confrontation attendue ne donne vraiment pas le résultat escompté et fait tomber à plat les attentes légitimes du spectateur. On est bien loin de la puissance évocatrice et réflexive d’œuvres comme Interstellar de Nolan, Premier contact de Villeneuve ou encore l’indépassable 2011 L’Odyssée de l’espace de Kubrick. Les scènes d’action ne m’ont pas paru utiles si ce n’est pour meubler un récit lent et accrocher au passage les plus jeunes. Bref, ça sonne un peu creux.
Reste un film quand même bourré de qualités et qui est un beau spectacle à voir en salle. Et puis, il y a Brad...
"Once Upon a Time... in Hollywood" de Quentin Tarantino
L'histoire : En 1969, la star de télévision Rick Dalton et le cascadeur Cliff Booth, sa doublure de longue date, poursuivent leurs carrières au sein d’une industrie qu’ils ne reconnaissent plus.
La critique Nelfesque : Comme tout Tarantino qui sort au cinéma, doit-on vraiment encore le présenter ? Rien qu'avec son nom, le réalisateur est assuré de remplir les salles. Souvent, c'est justifié, parfois, on se dit que non (ou alors, je suis devenue très exigeante avec le monsieur). Il a ses fans et ses détracteurs. On peut lui reprocher tout ce que l'on veut, Tarantino est un passionné et avec "Once upon a time in... Hollywood", il nous fait une fois de plus une démonstration de cinéma.
Le duo Leonardo DiCaprio / Brad Pitt fonctionne parfaitement. Quel plaisir de retrouver ces deux grands acteurs côte à côte et constater qu'ils étaient faits pour être réunis. Outre le fait qu'ils soient extrêmement beaux gosses (mention spéciale pour Brad Pitt... (Oh Mon Dieu, il est de plus en plus beau avec le temps ! (*parenthèse midinette off*))) et les hommes qu'ils sont dans la vie de par leurs engagements (si toutes les "stars" pouvaient mettre à profit leurs notoriétés comme ils le font...), leurs qualités d'acteurs ne sont plus à prouver. Avec un côté décalé et une touche savamment dosée d'humour, on ne peut que savourer ce moment.
Car de l'humour, il y en a dans "Once upon a time..." ! Sans se prendre au sérieux, la fine équipe nous offre ici des moments à la fois tendres et grinçants. DiCaprio dans son rôle d'acteur en voie d'"has-beenisasion" et en pleine crise existentielle concernant sa carrière va de pair avec un Brad Pitt, cascadeur à la force tranquille qui mène sa vie sans prise de tête. Ni loosers pour autant, ni caricaturaux, ces personnages nous montrent bien toute l'ambivalence de la célébrité, ses revers et les angoisses que peuvent éprouver les acteurs par moments.
En parallèle, c'est toute l'industrie du cinéma qui est abordée avec notamment la carrière d'actrice et la vie privée de Sharon Tate avec le lancement de son dernier film, Matt Helm règle son comte en 1968. Sur le papier, j'avais un peu peur de ce volet là du long métrage, connaissant bien l'issue funeste de son histoire... Tarantino a pris un parti assez osé ici et j'en suis ressortie absolument ravie, "Once upon a time..." terminant ainsi sur une note radicalement différente de celle à laquelle je m'attendais et me donnant la larme à l'oeil tant celle-ci est loin de la réalité. Trash, jouissive mais aussi mélancolique et extrêmement triste dans ses ultimes instants. Une belle réussite.
Et puis il y a le talent de Tarantino. La beauté des plans, la direction d'acteurs, la restitution de l'époque, le choix de la BO... Les 2 h 40 que comptent le film passent à une vitesse folle et la lumière se rallume avec nos exclamations ("Déjà !?"). J'étais moyennement motivée pour aller le voir en salle et un ami nous y a fortement incité. Il a bien fait !
La critique de Mr K : 6/6. Quentin Tarantino revient aux affaires avec un très bon métrage, son meilleur à mes yeux depuis Jackie Brown. Pendant 2h45, le spectacle est total avec un scénario séduisant, une technique parfaite et des acteurs au diapason. Rajoutez un soupçon de mélancolie avec une fin inattendue et vous obtenez un pur moment de cinéma comme on aimerait en voir plus souvent.
Le postulat de base est simple, on suit le quotidien de deux potes évoluant dans le Hollywood des années 60, âge d’or d’une certaine idée du cinéma. L’un est un acteur de seconde zone (DiCaprio), l’autre est sa doublure-cascade officielle (Brad Pitt) aux fonctions variées et multiples (chauffeur, réparateur d’antenne, confident...). On suit donc les préparations de tournage, les atermoiements de DiCaprio, les soirées enlevées et les bonnes bitures qui rassurent. En parallèle, on croise régulièrement Sharon Tate qui se révèle à Hollywood, s’est mariée récemment avec Polanski et attend un enfant. On a alors tous en tête l’horrible fait divers la concernant avec son meurtre sordide par la Manson family (que l’on va croiser aussi). L’appréhension ne fait donc que grimper durant tout le film mais j’avais oublié qu’avec Tarantino, on pouvait s’attendre à tout et je peux vous dire que je n’ai pas été déçu.
J’ai été tout d’abord épaté par le duo de buddy guys servi sur un plateau par DiCaprio et Pitt. Ces deux là étaient vraiment fait pour tourner ensemble. Certaines âmes chagrines ont parlé dans leurs critiques de cabotinage, il y en a souvent chez Tarantino, je dirai même que c’est un peu sa marque de fabrique notamment avec les longues scènes de dialogues. Ici aucune des deux têtes d’affiche ne prend le pas sur l’autre, ils se complètent à merveille, on aime suivre les aléas émotionnels de DiCaprio qui passe vraiment par tous les états et campe une star en plein doute assez touchante et drôle à la fois. Brad Pitt, c’est la force tranquille, le personnage solaire sûr de lui malgré une vie chiche et sans réel relief. Employé par DiCaprio, il est plus qu’un employé à tout faire et le film se déroulant, on en a de plus en plus de preuves, et cette relation d’amitié est magnifiquement peinte par un Tarantino toujours aussi attentionné envers ses personnages. Les seconds rôles ne sont pas en reste avec une peinture d’une rare justesse sur le milieu du cinéma et notamment des hommes et femmes de l’ombre. On croise avec plaisir Al Pacino, Kurt Russel ou encore Michael Madsen pour un petit passage éclair. Margot Robbie est éclatante en Sharon Tate. Casting de rêve !
La reconstitution de l’époque est incroyable. Chaque plan, chaque scène est léchée nous plongeant dans la fin des sixties dans un réalisme de tous les instants. Les voitures, les fringues, la musique omniprésente (la BO est une tuerie !), le mobilier, les mœurs... tout est là. Belle peinture aussi de la Manson family qui fait vraiment froid dans le dos avec un gourou complètement cintré qui a osé croisé l’idéal peace and love avec le nazisme. Le propos du film ne porte pas entièrement sur eux mais les moments les mettant en scène sont glaçants. Et puis, il y a Hollywood avec ses producteurs, ses acteurs névrosés, ses tournages, ses espoirs et ses désillusions. L’hommage est beau et prend aux tripes durant tout le métrage. Enfin, il y a tout ce qui tourne autour de Sharon Tate. Là où certains ont trouvé le principe malsain, j’ai trouvé au contraire Tarantino diablement malin avec une fin très ingénieuse et pour le coup encore plus triste que si il avait relaté les faits réels. À chacun de juger mais sachez que j’ai été entièrement convaincu trouvant Tarantino sur l’ensemble de ce film beaucoup plus fin que d’habitude.
Once upon a time... in Hollywood est à voir absolument au cinéma où toutes les qualités susnommées sont transcendées par un cinéaste au sommet de sa forme tant au niveau du contenu que de la forme. Je ne vous cache pas ma satisfaction de le voir revenir à un tel niveau d’exigence, j’en viens même à espérer son prochain film avec impatience.
"Midsommar" de Ari Aster
L'histoire : Dani et Christian sont sur le point de se séparer quand la famille de Dani est touchée par une tragédie. Attristé par le deuil de la jeune femme, Christian ne peut se résoudre à la laisser seule et l’emmène avec lui et ses amis à un festival estival qui n’a lieu qu'une fois tous les 90 ans et se déroule dans un village suédois isolé.
Mais ce qui commence comme des vacances insouciantes dans un pays où le soleil ne se couche pas va vite prendre une tournure beaucoup plus sinistre et inquiétante.
La critique Nelfesque : Voilà un film sur lequel je suis tombée par hasard via les réseaux sociaux (parfois ça a du bon !). Après avoir vu le teaser et pris connaissance du nom du réalisateur, Ari Aster qui avait déjà accouché de l'excellent "Hérédité", j'avais une certitude : il fallait absolument que je vois "Midsommar" ! Et au cinéma bien sûr !
Je ne connaissais pas grand chose sur ce film, si ce n'est qu'il y avait une histoire de grande cérémonie traditionnelle sur fond de secte. Bien m'en a pris car j'ai accueilli l'ensemble d'une façon particulière et ai été surprise de bout en bout. Dès le départ, happée par l'histoire avec un début de film angoissant et extrêmement violent, j'ai immédiatement compris que j'étais en présence d'un long métrage qui faisait la part belle aux émotions. J'ai été littéralement scotchée et émue aux larmes par la force des images. Cela ne s'est pas départi par la suite.
Visuellement d'une grande beauté, "Midsommar" fait appel à nos sens, notre sensibilité. Dans cette communauté très proche de la nature et toute de blanche vêtue, chaque couleur, chaque fleur est un ravissement. Les plans sont léchés et les sens en éveil. Une grande claque visuelle.
Nous suivons 5 amis en voyage en Suède mais très vite l'accent est mis sur Dani, interprétée par une Florence Pugh bluffante, qui focalise toute l'attention. Dans une grande détresse psychologique (on le serait à moins), elle vit cette expérience entre curiosité et angoisse. Au plus près de ce personnage, on ressent ses tourments, ses douleurs et on la suit avec peur et fascination dans l'acceptation de ceux-ci. "Midsommar" est un film sur le deuil, sur la réalisation de soi, sur le sens de la vie. Même si pour cela, il faut passer ici par la mort, le meurtre et autres déviances qui sont bien éloignés de notre morale. Dani va passer par tous les états, ressentir chaque parcelle de sa peau, chaque minute au grand air et littéralement revivre. Une résurrection dans la douleur. C'est beau, poétique, puissant.
Loin d'adhérer au chemin présenté ici (je parle ici du fond), force est de constater que le réalisateur nous mène dans des contrées loin de notre petit confort pour au final nous parler de l'existence, de la religion, du sens du sacrifice, de la famille, de l'amour en faisant un pas de côté. Original, "Midsommar" ne ressemble à aucun autre film et la vision du réalisateur et sa façon de l'amener nous bouscule et nous colle longtemps à la peau. Du cinéma comme on aimerait en voir plus souvent !
La critique de Mr K : 6/6, attention chef d’œuvre ! 2 h 27 qu’on ne voit pas passer pour un film qui clairement rentre dans le cercle très fermé des films de genre que l’on peut ériger au rang de classique au même titre que les récents It follows ou encore Grave. Beau, puissant, complexe et truffé de références et de thématiques abordées, c’est le genre de film dont on ne sort pas intact et sur lequel on réfléchit des heures après le visionnage. C’est bien simple, on me proposerait de retourner le voir aujourd’hui, je le ferai sans hésiter !
Dani ne va pas bien du tout. La jeune femme est en pleine dépression suite à la mort brutale de ses parents et de sa sœur. N’arrivant pas à surmonter son chagrin, aidé à minima par son compagnon qui clairement en a plus qu’assez, elle va cependant se retrouver intégré à son petit groupe de garçons pour un voyage très particulier. Les gars ont décidé de se rendre en Suède pour assister à un événement peu commun, une fête qui a lieu tous les 90 ans célébrant le solstice d’été (Midsommar). Une fois sur place, le groupe se retrouve plonger au sein d'une communauté très refermée mais cependant accueillante mélangeant attitudes et activités new-age voire hippies. Mais derrière la façade, on se doute bien que des vérités sont bien cachées et que la secte ne montre que ce qu’elle veut bien révéler...
Avec ce film, le réalisateur contribue à donner du cachet aux films de genre, en proposant un véritable film d’auteur qui au-delà de la peur qu’il peut susciter via les sujets abordés propose une véritable analyse des protagonistes. La dépression ainsi est remarquablement traitée à travers le personnage de Dani qui n’arrive pas à surmonter sa peine et va se retrouver embarquée dans une aventure qui la changera à jamais. Dès le départ du métrage, lorsqu’elle apprend une terrible nouvelle, la violence mentale est là et frontale. Avec Nelfe nous avons même essuyé une larme à cette occasion, c’est à l’image du film qui en soi ne fait pas vraiment peur, on ne sursaute pas. Loin des jumpscares sans âme qu’on nous sert et ressert jusqu’à l’ennui profond, le réalisateur réussit ici à distiller le malaise durant les deux heures et quelques de Midsommar. Du coup, le spectateur ne se sent vraiment pas à l’aise et tout peut arriver. Malgré une bande annonce qui annonce la couleur (le teaser est bien plus énigmatique), on est surpris durant tout le métrage.
Au bout de vingt minutes, le groupe se retrouve donc en Suède dans une sorte de secte qui célèbre le solstice. Inspiré de traditions réelles, l’auteur a brodé autour de cette communauté tout un univers étrange et fascinant. Au départ, tout roule, la communauté est accueillante, bienveillante et proche de la nature. On irait même y faire un tour pour se ressourcer et apprendre sur soi. Cependant, derrière le rêve se cache un culte païen qui n’est pas exempt de sauvagerie et nos héros vont en faire l’amère découverte... enfin, pas tous car certains pourraient y trouver leur compte. Deux d’entre eux notamment sont étudiants en anthropologie et profitent de l’occasion pour construire et essayer de traiter leur thèse de fin d’étude. L’aspect anthropologique est très bien traité avec une approche de la communauté et de son environnement d’une grande finesse. J’ai d’ailleurs retrouvé nombre d’éléments que j’ai pu aborder en cours lors de mes sessions d’Histoire des religions et croyances à la fac. Pas de pathos, ni de raccourcis faciles ici : l’appartenance à la communauté, la foi, les dogmes, le rapport aux autres, le fanatisme sont autant d’aspects traités avec respect, détachement et un savoir faire d’historien tout en rendant l’ensemble ludique et fascinant. Inutile de vous dire que j’ai adoré !
Au contact de cette secte, les personnages vont évoluer très rapidement. La frontière entre mal et bien se fait plus ténue, les aspirations de chacun ressortent et pour Dani les changements seront impressionnants. Malgré des débuts difficiles, elle va peu à peu prendre conscience de certaines choses et commencer à se rapprocher de personnes qui pourraient bien lui apporter une guérison inespérée. Clairement, le personnage de Dani est hypnotisant, remarquablement interprété par une jeune actrice pleine d’avenir. Elle m’a fait penser au personnage principal du film Grave que nous avions beaucoup aimé lors de sa sortie. Les autres protagonistes sont moins poussés comme Dani est au centre du récit mais ils complètent parfaitement la liste des personnages avec son lot d’aidants et d’obstacles avec des personnalités nuancées et des réactions logiques. L’ensemble prend donc une densité hors norme et propose un spectacle total et d’une grande intelligence.
Le tout est magnifié par la mise en scène vraiment impeccable. À l’instar de son précédent métrage (Hérédité) et même encore plus, le moindre plan est léché, travaillé et certains sont d’une imagination folle. L’adéquation entre propos, action et sens cachés des scènes est parfaite, nourrissant une trame qui révèle peu à peu ses tenants et ses aboutissants. Le film est donc magnifique, très bien joué, accompagné d’une ambiance sonore aux petits oignons et l’on se prend à réfléchir bien après le visionnage au sens du film, aux destins alambiqués des personnages et à la place donnée à la spiritualité dans nos civilisations. Une sacrée claque pour un très grand moment de cinéma. À ce jour, Midsommar concourt toujours pour la place de film de l’année à mes yeux.
